"EL PIBE DE FLORES"

Pedro Maffia Nació en el barrio porteño de Balvanera,2 hijo de los inmigrantes italianos Angelo V. Maffia y Luisa Spinelli. Se lo conoció en el ambiente musical como «El Pibe de Flores», e inauguró una modalidad completamente nueva de ejecución. Dejbaa el fuelle cerrado, utilizando las distintas tonalidades de notas que brinda el instrumento, en la ejecución en la modalidad abriendo o cerrando, utilizando la válvula del mismo para no forzar el sonido. Con Maffia, el bandoneón alcanzó una mayor pureza de sonido, llevándolo a uno de sus puntos de mayor alcance interpretativo. A los once años su maestro fue Pepín Piazza.3 A los quince años recorría los cafetines de Villa Crespo y ya a esa edad compuso el tango Cornetín. Sus primeros estudios musicales fueron de piano. Después crearía el primer método de estudio de bandoneón. A los 16 años debutó en el bar Iglesias, de la calle Corrientes, tocando también en oscuros prostíbulos de la provincia de Buenos Aires, con la modalidad a la gorra (como era menor de edad, en esta época, y siendo muy común sus escapadas de la casa paterna, generalmente para irse al puerto de Bahía Blanca (provincia de Buenos Aires). Su padre Ángel y su madre Luisa daban intervención policial para que fuera devuelto al hogar. Maffia siempre hizo culto de la amistad. Era común verlo frecuentar distintos bares de la capital, como por ejemplo los de calle Libertad y Rivadavia, Hipólito Yrigoyen y Bernardo de Irigoyen, Corrientes y Libertad, el bar Dante (en Boedo e Independencia, donde se creó el famoso "GRUPO DE BOEDO", formado por distintos intelectuales (Juan Francisco Giacobbe), poetas (José González Castillo, Cátulo Castillo) y músicos de la época (Sebastián Piana, Pedro Láurenz) ─entre otros─ casi en concordancia con el grupo del bar Tortoni), La Querencia (en Avenida de Mayo y Tacuarí, un local que también tenía salida por la calle Hipólito Yrigoyen, donde comenzó cantando Roberto Goyeneche).4 También frecuentaba distintos restaurantes de la capital, destacándose entre ellos: El Globo (Hipólito Yrigoyen y Salta), El Tropezón (Callao y Perón, que ya no existe), el restaurante de la avenida Independencia y Boedo (que ya no existe, y donde se podían pedir los fideos con tuco por kilo), El Hispano (Salta y Rivadavia, donde se podían pedir «callos a la madrileña», sentado en la barra), El Imparcial (en Salta e Hipólito Yrigoyen). En todos y en cada uno de estos lugares, Maffia no hubo de estar solo. En su mesa se sentaron los más distintos representantes de la noche porteña, como así también de su intelectualidad. Falleció el 16 de octubre de 1967, a los 68 años, en su casa en calle Corrientes 1969.

EL CABALLERO DE CAPILLA DEL SEÑOR

Carlos García Nació en Capilla del Señor (provincia de Buenos Aires) y se crió en el porteño barrio de San Cristóbal y sus primeros estudios fueron con el maestro Mariano Domínguez. Se inició como pianista de cine mudo, algo muy común en los músicos del género. Con el maestro Pedro Rubione estudió armonía, composición, contrapunto, fuga y orquestación, tenía apenas quince años, pero su relación con el profesor duró hasta 1969, es decir cuarenta años. Integró la orquesta de Firpo entre 1932 y 1938, luego ingresó como pianista del dúo Martínez-Ledesma, que hacían música folclórica argentina y americana. Entre 1938 y 1945, animó bailes con el conjunto de música internacional Hawaian Serenaders. Con esta formación estuvo cinco meses en el Brasil, en el año 1943, y a su regreso ingresa como empleado en el sello EMI-Odeon. Su tarea consistía en organizar formaciones musicales para los acompañamientos de los artistas que trabajaban con la empresa. Realizó muchas giras por el interior del país con todas los conjuntos en los que participó. En algunas de ellas acompañando a la cantante Mercedes Simone. Actuó también en la orquesta de Alberto Castellanos en Radio El Mundo, a mediados de la década del cuarenta. Entre 1946 y 1960, tuvo como actividad principal la docencia, actuando esporádicamente como pianista solista o acompañando músicos folclóricos. A partir de 1960, es contratado como asesor musical por Radio Municipal de la ciudad de Buenos Aires. Ese mismo año comienza a realizar la misma tarea para la empresa EMI-Odeon, hasta el año 1983. Viajó a Japón en tres oportunidades con orquestas que él armaba en cada ocasión, quedó sorprendido por el comportamiento del público japonés: «Escucha con mucha atención y al finalizar aplaude medidamente cada interpretación. Y al final de la función muestra todo su entusiasmo». Leyendo una entrevista que le hiciera Salvador Arancio, comprobamos su capacidad docente en el método empleado en sus charlas y conferencias, que él denomina «escuchando tangos»: «Llevo un cassette armado con los mejores arreglos de tango que conozco: De Caro, Salgán, Pichuco, Di Sarli. Después toco algo en el piano y en el medio intercalo frases que, para mí, son sustanciales para completar la explicación. Advierto a la gente que para escuchar hay que estar muy tranquilo y liberado de ruidos, si no, no se escucha lo que realmente se está oyendo y lo que no se apreció en su momento se pierde». En 1978, participó, junto a Enrique Mario Francini, Leopoldo Federico y Atilio Stampone, en el ciclo Tangos Para el Mundo, auspiciado por la Municipalidad de Buenos Aires. El mismo se realizó en el Teatro Presidente Alvear y en él participaron músicos extranjeros: Don Costa, Billy May, Johnny Mandel y Nelson Ridle. La orquesta tenía cincuenta y cinco músicos. En su discografía se destaca sus registros con Roberto Grela, del año 1975 y los dos discos de solos de piano editados por el sello Melopea, el primero contiene una serie de grabaciones de la década del sesenta realizadas en el auditorio de Radio Municipal y el segundo registradas en 1991. Fueron muchos los cantores a los que acompañó en sus grabaciones, como director de orquesta, entre ellos: Héctor Pacheco (1956-1958), Argentino Ledesma (1967-1968), Oscar Alonso (1968), Alberto Marino, Rubén Juárez, Claudio Bergé (1969) y Francisco Llanos (1978) todos para el sello EMI-Odeon. En 1974 vuelve a grabar con Oscar Alonso, esta vez para el sello RCA-Victor. Ha compuesto muchos temas pero pocos llegaron al disco, su obra más destacada es "Racconto", con letra de Margarita Durán, grabada por Aníbal Troilo, Miguel Caló, Osvaldo Pugliese y el Sexteto Mayor. También "Ayudame Buenos Aires", letra de Francisco Llanos, "Mi estrella azul" y "Al maestro con nostalgia". Sus reflexiones sobre la vanguardia son muy interesantes: «El creador crea sin darse cuenta, espontáneamente. Pichuco, Di Sarli, De Caro, Salgán y hasta el mismo Piazzolla, crearon su obra y ninguno de ellos se tildó de vanguardista. Lo hacían sin darse cuenta. Ellos muestran lo que descubrieron, lo que saben, lo que les nace y nada más. Esto no es vanguardia sino un testimonio de aquellos que están dotados». Finalmente expresa que, para él: «La vanguardia es un rótulo. Los músicos importantes hicieron su obra porque tenían un fuego sagrado adentro». Este caballero, murió a los noventa y dos trabajando. Y el haber podido conocerlo fue un honor y un verdadero placer.

EL PROFETA DISCEPOLÍN

Nacido en el barrio porteño de Balvanera, el 27 de marzo de 1901, hijo de un músico de orquesta, quedó pronto huérfano y a cargo del mayor de sus cuatro hermanos, Armando, que fue quien lo encaminó por el mundo de la cultura popular: la música, el teatro, la literatura. Con apenas 16 años debutó como actor y poco tiempo después se animó a escribir sus primeras obras de teatro y letras de tango: “El bizcochito” y la más conocida “Qué Vachaché”, son letras de los años 20, en su más temprana juventud. En muy poco tiempo, sus letras serían interpretadas por grandes cantantes como Azucena Maizani, Tita Merello y el mismísimo Carlos Gardel, mientras continuaba su labor actoral, y en la década siguiente podría conocer el mundo artístico de Europa. Cuando ya en su repertorio contaba con letras como “Yira y yira”, “Qué sapa señor”, “Malevaje” y “Soy un arlequín” y la más cruda descripción de la “Década Infame” con “Cambalache”, apareció el peronismo, con el que simpatizó fervorosamente y defendió desde las trincheras radiales, con su programa “Mordisquito”. En 1951, protagonizaría el recordado film “El hincha”, pero hacia fines de aquel año, el 23 de diciembre, un síncope al corazón terminaría con su vida. La canción, originalmente compuesta durante la Década Infame a la que denuncia en sus letras. Historia de cambalache La obra se vio además afectada por una resolución del Ministro de educación Gustavo Martínez Zuviría, quien prohibió los voseos y el lunfardo en los tangos. Tal medida fue derogada por Juan Domingo Perón, luego de una entrevista con el propio Discépolo. Si bien la canción tuvo un origen y un contexto en su creación, su letra denunciando los males de su sociedad la transforman en un tema universal y aplicable a cualquier país del mundo; además que al representar a la sociedad humana de siempre será un tema vigente en cualquier época. ¡Hoy resulta que es lo mismo/ ser derecho que traidor!.../ ¡Ignorante, sabio o chorro,/ generoso o estafador!/ ¡Todo es igual!/ ¡Nada es mejor!/ ¡Lo mismo un burro/ que un gran profesor!

EL CABALLERO SOLISTA DEL TANGO

JUANCITO DIAZ 14 de junio de 1914 – 22 de septiembre de 2007 – Pianista y compositor - Nombre de familia: Juan Víctor Díaz – Apodo: “El Caballero Solista del tango” - “El gran pianista del tango” Nacido en el pueblo de Peyrano, Provincia de Santa Fe, allí fue donde estudió y se recibió de profesor de piano. A los 17 años comenzó a trabajar como pianista en Rosario. En 1940 ingreso en la orquesta de Manuel Pizarro, primero como pianista y más tarde también como orquestador. Poco tiempo después, su primo, Fulvio Salamanca, lo manda a llamar para incorporarse a la orquesta de Juan D´Arienzo, con quien colaboró por más de dos años. También participó en varias orquestas y realizó giras por Europa y Latinoamérica y sus audiciones en la radio fueron un rotundo éxito. En septiembre de 1951 actuando en el desaparecido teatro Politeama se consagró allí como el primer concertista de tangos de la historia. Fue elogiado por músicos maestros de la talla de Arturo Rubistein y Claudio Arrau, también el General Perón, le tenía una amplia estima. Formó dúo con René Cóspito, su gran amigo. En 1955 fue protagonista de la película “Adiós muchachos”, dirigida por Armando Bó. De su obra de compositor recordamos: “Ladrón de sueños”, “Tango a la Florida”, “Ya te hice un tango vieja” y “Lloré por los dos”.

EL CANTOR DE LAS MADRES Y LAS NOVIAS

Natalio Alberto Capa, cuyo nombre artístico era Alberto Margal, nació en Rosario el 13 de Julio de 1910. Estudió el colegio comercial aunque sin éxito. Trabajó en una panadería, que poseía unas máquinas “Margaldi”. De ahí nació su apellido artístico. En 1933 llegó a Buenos Aires, cantando en cantinas y cafés de Avellaneda acompañándose con su guitarra. Trabajó en la Editorial Sopena y concurrió a teatros vocacioneales independientes, donde también cantaba. Durante un asado tuvo un encuentro con Juan Ruggero, “Ruggerito”, colaborador del caudillo Alberto Barceló, hecho que le sirvió como punto de arranque a su trayectoria profesinal. Fue contratado por LR2 “Radio Argentina”, emisora en la que permaneció casi 25 años. Pero también cantó en “Radio Prieto”, “Radio El Mundo” y “Radio Belgrano”, en las audiciones de “Jabón Federal”. Hay que destacar sus actuaciones en el Café Marzotto, acompañado por las guitarras de José Canet y Humberto Canataro. Fue llamado “El cantor de las madres y las novias”. Fueron muchas las giras que realizó por el interior del país, donde era muy conocido. Admirador de Agustín Magaldi, cultivó su repertorio con preferencia. Formó dúo con Lito Bayardo, con quien compuso varios temas. Su popularidad se acrecentó en 1937, destacándose como uno de los cantantes solistas de la época. Realizó giras por Brasil, Uruguay y Chile. En 1951 participó en 2 novelas de radioteatro en Radio Argentina. Su primera grabación fue en el sello “Odeón”, el 7 de Marzo de 1943 con el tango “No hables mal de las mujeres”. Su último registro se realizó en 1957, completando 46 grabaciones. Ese año abandonó la actividad artística. Falleció a los 70 años, el 18 de Setiembre de 1980.

EL HOMBRE QUE LE PUSO LETRA AL TANGO

Pascual Contursi Quizás el entendido medio en el tango no sienta la novedad cuando se diga que los versos de "Mi noche triste", escritos en 1916 por Pascual Contursi, son el molde poético definitivo para el Tango-Canción. Los escribió para la pieza de Samuel Castriota titulada "Lita", tango conocido pero no famoso hasta que se empezó a interpretar con los versos y el nuevo título: "Mi noche triste". Hay letras anteriores a 1916, porque en esta obra colectiva que es el tango, nada nace sin un rumor en el aire, sin anticipaciones propiciatorias. pero el salto de un estado a otro, de lo que no había a lo que empezó a ser, lo da Pascual Contursi. Medio Payador (cantor que, acompañándose con la guitarra, improvisa coplas sobre diversos asuntos), cantor de bodegones y cabarets, zapatero, etc., nació en buenos Aires, en 1988. Mucho de su vida habrá en sus tangos, siendo un nocheriego, perdedor y perdido por sus amores, un tentador de la fortuna que a los comienzos fuera magra; al fin, uno constata que se escribe mejor de lo que más se conoce. "Mi noche triste" fue estrenado por Gardel en el teatro Esmeralda, en la temporada de 1917. Al año siguiente se incluyó como pieza cantada en la interpretación de la obra teatral "Los dientes del perro". El éxito estuvo desde entonces asegurado, cuando la gente lo llevaba a sus labios espontáneamente para cantarlo. A partir de allí, por Contursi y otros numerosos letristas, se disparó una notable producción del Tango-Canción. ¿Qué hay en "Mi noche triste"?. En primer lugar, el reencuentro a través de los versos con el magma suburbial del tango, con el escenario de sus puestas más genuinas, en lo que a lenguaje y ámbitos se refiere. "Percanta que me amuraste / en lo mejor de mi vida ...". Antes que el lamento inoperante, el lloro exclamativo y afásico, hay la tristeza de una historia que se fundó con Ella que "era mi alegría y mi sueño abrasador" y que ahora no está porque se ha ido y no vuelve más. En efecto, hay abandono donde antes hubo amor. hay pérdida, nostalgia por lo perdido, desconsuelo, canción. pascual Contursi escribe en octosílabos como cantaron los payadores y mucho antes los autores del romancero español. escribe desde la sencillez de un "cotorro" o un "bulín" que tal vez sea el lugar que más habitó en su vida. Allí transcurre el sentimiento de fatalismo ante el abandono. Emplea un lenguaje cruzado de lunfardías, en esta historia contada en la brevedad de un tango donde están presentes las distintas vicisitudes del protagonista "amurado". obsérvese: "Y si vieras la catrera / cómo se pone cabrera / cuando no nos vé a los dos". Metáfora donde el protagonista al estar solo da vueltas y revueltas en la cama, insomne. las cosas no están como entonces cuando ella con él convivía, están tocadas de muerte: el espejo, los frasquitos, la catrera, la guitarra, ... y la lámpara que finalmente lo deja a oscuras. Pascual Contursi continúa escribiendo tangos que le grabará Gardel. En 1919 se estrenó como autor teatral en compañía de Ivo Pelay; desde entonces la insistente producción de sainetes llevarán consecutivo un tango glosando el tema central de la obra. resulta de esto un puñado de tangos excelentes y exitosos donde hay sujetos abandonados por la querendona y abrasadora percante. En algunos, el autor puede situarse en el lugar de ella, que es feliz al irse (siempre "con otro bacán mejor ..."), o situarse, incluso, en la posición de la muchacha que, aburrida de la vida que comparte con el protagonista, un día lía sus bártulos, se va y le dice: "Yo quiero una cama que tenga acolchado y quiero una estufa pa' entrar en calor, que venga un mucamo corriendo apurado y diga .. ¡Señora araca está el Ford!". Se asomaron en sus tangos, pintorescos, los cambios en las costumbres que se afianzaban en la posguerra y en la década de 1920. Si bien el perfil sociológico no supera el escenario de la noche, Pascual Contursi registra aquella independencia que alegre, árdua, resistida, va lográndose en la posición de las mujeres. lo hace con doble sentimiento: la complicidad y la queja por prerrogativas masculinas que pierde. Evidentemente, lo visita la fortuna: sus obras teatrales suelen tener éxito de taquilla, y el derecho del autor de letras también. ¿Qué hacer con el dinero?. Disfrutó en gastarlo, en noches rioplatenses y en noches parisinas, como se estilaba entonces. Asimismo, perseveró en la continuidad temática, a riesgo de reiterarse. Curiosamente, también escribió la letra mejor lograda para el tango "La Cumparsita". Sin embargo, el nuevo título pergeñado "Si supieras" tuvo que ceder ante el original inobjetable: La Cumparsita, música de Gerardo Matos Rodríguez. de la huella de Pascual Contursi hasta hoy, se escriben los tangos con otros lenguajes, distintos temas y estilos. Es claro que sus modos y maneras, a veces, suenan válidos para los museos de la moda; más, siempre nos conmueve ese aire intemporal que late bajo el esmalte de la época. En su último viaje a Paris, aunque viviera en hotel acomodado, se nota que, desde algún lugar de su alma, seguía viviendo en el bulín. Allí escribió, en 1928, la obra final de la que tenemos constancia: "Bandoneón Arrabalero", para música de su amigo "Bachicha" Deambroggio. En ella compara al bandoneón-viejo-fuelle desinflado (al que Contursi y el mismísimo tango encontraron en la calle) con un "pebete abandonado". lo lleva para su cuarto donde le dice: "Has querido consolarme con tu voz enronquecida y tus notas doloridas aumento mi berretín". Después de esta fecha, aparecieron los síntomas del extravío en el hablar inentendible, o presentarse en el nevado invierno parisino vestido de impecable traje de playa. A partir de entonces, sus amigos supieron que, mas que una broma, aquello era una mueca del delirio. lo embarcaron, piadosamente engañado, rumbo a Buenos Aires, donde murió internado en un hospicio de salud mental, en el año 1932.

"EL CHOPIN DEL TANGO"

café Marzotto de calle Corrientes fue el escenario de grandes orquestas y cantores de los años cuarenta. En el palco ubicado al fondo del salón, actuaron Troilo, Caló y debutó Floreal Ruiz. Fue allí donde se presentó por primera vez Osmar Maderna con su flamante orquesta constituida poco tiempo después de que se separara de Miguel Caló, con quien había conformado la célebre “orquesta de las estrellas” a la que había ingresado en 1939 en reemplazo de Héctor Stamponi. Para 1946 Maderna ya era una personalidad artística reconocida por los mejores músicos de su tiempo. El fraseo de su piano, sus clásicas notas agudas en los acordes finales, sus fantaseos solos, fueron la marca distintiva de un estilo elegante, sugestivo y discreto, un estilo ubicado en las antípodas del de Juan D’Arienzo o Alfredo De Angelis, pero también ajeno a cualquier aspiración sinfónica . Osmar Maderna nació en la localidad bonaerense de Pehuajó en 1918. Su padre tocaba el acordeón y siempre apoyó las aspiraciones musicales de su hijo. Se dice que a los once años ya integraba una orquesta local. Su profesora de piano, la que lo inició en el arte del teclado se llamaba Leonilda Lugones de Azcona. “Todo lo que sé se lo debo a ella”, declaró años después en una revista de moda. A los quince años se recibió de profesor de piano y a los dieciocho viajó a Buenos Aires acompañado por dos amigos, los violinistas Aquiles Roggero y Antonio Cipolla. En la gran ciudad deambuló durante algunos meses en bares y cafetines de mala muerte. En algún momento entró a trabajar como solista en Radio Callao y meses más tarde integró la orquesta de Lolo Fernández gracias a una recomendación del cantor Armando Moreno. El milagro, como el mismo lo calificara, se produjo cuando ingresó a la orquesta de Miguel Caló. Allí se inició de hecho la carrera profesional de uno de los músico más singulares de la década del cuarenta. En esa orquesta Maderna alternó con Domingo Federico, Eduardo Rovira, Enrique Mario Francini y Armando Pontier, es decir se pone a prueba al lado de los mejores músicos de su tiempo. En ese ambiente pronto se destaca por su talento y por la originalidad de sus interpretaciones y composiciones. En la célebre “Orquesta de las estrellas” graba alrededor de 80 temas, algunos de su autoría y otros en compañía de estos grandes músicos. “Sans Soucí” e “Inspiración” fueron los más notables. Su relación con los músicos se extiende luego a los grandes poetas del tango de la década: Enrique Cadícamo, José María Contursi, Cátulo Castillo, Homero Expósito y Julio Jorge Nelson, a quien musicaliza su poema “Margarita Gauthier” inspirado en la novela de Alejandro Dumas o, para ser más preciso, en la película que se proyectó en Buenos Aires en 1931. En 1946 Maderna se desvincula de Caló y constituye su propia orquesta Sus actuaciones iniciales en el café Marzotto continúan luego en la Confitería Rucca. El escenario nocturno lo comparte con la “Santa Paula Serenades” dirigida por Raúl Sánchez Reynoso. Para esa misma época graba en el sello “Sandor” de Montevideo temas como “Margó”, “Viejo calavera” y “Chiqué” Ya para entonces lo acompaña uno de los cantores distintivos de su orquesta: Orlando Verri. No será el único. Más adelante se sumarán Luis Tolosa, Pedro Dátila, Mario Corrales, Adolfo Rivas, Carlos Aguirre, Carlos Aldao y el gran Héctor de Rosas, quien después será el cantor de la primera orquesta de Astor Piazzolla. Del estilo de Maderna se suele decir que es algo así como un anticipo de Piazzolla. Si en algo se parecen es en el esfuerzo por renovar al tango. Piazzolla como Maderna son vanguardistas, pero allí empieza y termina la semejanza. En realidad, Maderna está más cerca del mejor Mariano Mores que de Piazzolla. Como todos ellos se esforzó por fusionar el tango con la música clásica. No en vano llegó a ser calificado el Chopin del tango, aunque además de las influencias del célebre autor de tantos valses, Maderna estuvo interesado por Listz y Rimsky Korsakoff, a quien homenajeó interpretando en 1946 “El vuelo del moscardón” en clave de tango. Maderna dirigió su propia orquesta durante cinco años. Grabó 56 temas y allí está lo más representativo y original de su obra. Entre esos temas merecen destacarse entre otros: “Fantasías en tiempo de tango”, “Lluvia de estrellas”, “Concierto a la luna”, “El elegante”, “Loca bohemia”, “Qué noche”, “En tus ojos el cielo”, “Escalas en azul”, “La noche que te fuiste”, “Volvió a llover”, “Rincón de París”, “Cuento azul”, “Lirio”, “Amor sin adiós” y “Rouge”. El primer tema grabado por la flamante orquesta es “Margó”, el poema de Homero Expósito interpretado por Verri. También de Expósito es “Te llaman pequeña” su tema fetiche, con el que iniciaba y concluía sus presentaciones. Otro de los temas destacados es “Tarde gris”, un tango que Gardel había interpretado en 1930 y que Maderna graba en 1946 acompañado por la voz afinada de Pedro Dátila. Como todo vanguardista, Maderna no fue un músico de multitudes, pero fue muy respetado por sus colegas y muy considerado por la crítica especializada. Los temas que impuso adquirieron fama internacional. “Te llaman pequeña” fue cantado, entre otros, por Pedro Vargas. “Lluvia de estrellas”, figuró en una película de Walt Disney. Y “Concierto a la luna” fue interpretado, entre otros, por Paul Whiteman. Maderna murió a los 33 años en un accidente de avión. Como Gardel, ganó la inmortalidad en una tragedia aérea. En marzo de 1951 había obtenido el brevet de aviador. Un mes después se mató junto con su acompañante Ernesto Rodríguez en el límite de Lomas de Zamora. Ya se retiraba del aeródromo cuando un amigo lo desafió para hacer unas pruebas en el aire. Su esposa -Olga Mazzei- intentó disuadirlo, pero fue en vano. Osmar Maderna murió en su hora de esplendor, cuando el futuro se abría generoso a su talento e inspiración. Especular sobre su destino artístico es innecesario. Basta con prestar atención a lo que hizo en esos pocos años para concluir que más allá de los avatares de la suerte, su proyecto estético estaba cumplido. Muchos años después el “Sexteto mayor” rendirá homenaje al maestro incorporando a su repertorio “Lluvia de estrellas”. Su amigo Aquiles Roggero, reconstituyó la orquesta que se mantuvo fiel a su estilo. Se llamó la “Orquesta Símbolo Osmar Maderna”. Roggero compuso en su homenaje “Notas en el cielo”, un título digno de Maderna, porque sus composiciones insistían con las estrellas, la luna, el cielo y sus diferentes tonos de azul. Era la suya una música que parecía llover del cielo, como dijo un crítico, aunque nadie imaginaba que esa obsesión poética por las alturas iban a ser el anticipo de la tragedia real.

EL ROSARINO LAMAS

Juan Carlos Lamas Nombre Real(Rafael Velázquez)Cantor, ActorNace en la ciudad de Rosario (Pcia. de Santa Fe) el 13 de octubre de 1921 . Debuta en Buenos Aires en el año 1942 con la orquesta de Juan D’Arienzo en el cabaret Chantecler. (Dejando en total 11 registros). En 1946 actúa en México durante un año, luego Cuba, España, Italia y a su regreso a la Argentina en 1957 inicia sus actuaciones cinematograficas dejando el canto.Consiguió rápidamente trabajo en nuestro cine y llegó a participar en 25 películas, haciendo papeles secundarios y generalmente de hombre recio. Pero en algunas como en: Procesado 1040, su trabajo fue muy elogiado por la crítica. Fallece el 27 de Julio del 2004.

EL TANO GENARO

Espósito, Genaro Ricardo Bandoneonista, guitarrista, pianista, compositor y director (17 de febrero de 1886 - 24 de enero de 1944) El Tano Genaro, cuando aún no tenía sólidos conocimientos musicales, fue maestro de dos grandes bandoneonistas: Anselmo Aieta y Ricardo Luis Brignolo. «El Tano Genaro representa el despertar de la zurda de los fueyeros guardaviejistas, junto a El Alemán Bernstein, que tenía un notable dominio de ambas manos», nos dice Oscar Zucchi en su libro El Tango. El Bandoneón y sus Intérpretes. Su primer conjunto, con el violín de Federico Lafemina y la guitarra de Torres, data de 1908, y lo formó para tocar en reuniones barriales. Dos años más tarde, debutó en el café La Marina, de Suárez y Necochea em el pintoresco barrio de la Boca, integrando un trío con el violín de Agustín Bardi -(El Chino)-, y la guitarra de José Camarano, (El Tuerto). En 1911, pasó a un café de San Telmo, reemplazando a Bardi por Enrique Muñecas. Con los mismos músicos actuó en La Buseca de Avellaneda (suburbio de Buenos Aires), para volver a La Marina en 1912, esta vez con Alcides Palavecino en violín y Harold Philips en piano. Ese mismo año fue contratado por el sello Victor para grabar con un conjunto integrado por bandoneón, violín, guitarra y clarinete, bajo el rubro Orquesta Típica Gennaro Espósito, no se conocen el nombre de los integrantes. Su primera grabación fue el tango "Ya vengo", de Julián Robledo. En el acople del disco, nº 63712, está el vals "Las violetas", primer registro también, de Ignacio Corsini. Continuó su labor discográfica en los sellos Columbia Record, ERA y Atlanta. En Columbia con la participación de Tito Rcatagliatta en violín y Roberto Firpo en piano; en ERA grabó con Julio Doutry (violín), José Fuster (flauta) y José Camarano (guitarra); y en Atlanta con Pedro Vicente Festa (violín), Echeverri (flauta) y otra vez Camarano. Cambiando siempre de ejecutantes, se presentó en el Palais de Glace con Vicente Pepe en violín, Vicente Pecci en flauta y Guillermo Saborido en guitarra. Luego, para actuar en cafés de la Boca, convocó a Ernesto Zambonini (violín) y a Juan Carlos Cobián (piano). Después de realizar una exitosa gira por las provincias de Córdoba y Tucumán, volvió en 1918 a Buenos Aires para actuar en el Teatro Roma, con su hermano Carlitos corno segundo bandoneón, Alcides Palavecino en violín y Vicente Gorrese (Kalisay), en piano. Con ellos y con otros elementos registró para el sello Telephone sus últimas seis grabaciones en la Argentina. En 1919, pasó a integrar la orquesta de Eduardo Arolas en la ciudad de Montevideo y fue figura de atracción en el café Zunino de esa ciudad. Estas fueron sus últimas actuaciones en Sudamérica. El año clave en la carrera de El Tano Genaro fue 1920, porque partió rumbo a Marsella, en un barco de carga, junto al bandoneonista Manuel Pizarro y al violinista francés Víctor Jachia. El Tano y Pizarro tocaron puerto francés el 6 de agosto de ese año, pero solos, ya que Jachia murió en la travesía. Tras una corta actuación en Marsella, viajaron a París, en 1921, donde la orquesta Genaro-Pizarro fue contratada para actuar en los dancings Fontaine y Pavillon Dauphine y estaba integrada por los músicos Güerino Filipotto y Celestino Ferrer, los demás eran franceses. El conjunto se disolvió cuando Pizarro regresó por una temporada a Buenos Aires en 1922. Genaro Espósito siguió actuando en Europa con mucho éxito hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939, con su Orchestre Argentine Genaro Espósito, presentándose en locales de fama internacional como El Garrón, Le parroquete y en el foyer del Casino de París. También en grabó discos en Francia, para los sellos Columbia (entre 1924 y 1927), Fotosonor (1931), Decca (1935), M.A.X.S.A. y Gramophone (1931). Su obra autoral es extensa. Entre sus tangos más representativos se encuentran: "La percanta", "Receta médica", "Bijou", "La montura", "Eulogia (Los de la banda)", "Manuel Lema", "Juan José", "Mon petit Claude", "El crack Larrea", "Pare la música", "El goruta", "Don Machado", "La Cubanita", "El manantial", "Conflicto", "La pelada" y "Mi negra". Los valses: "Pienso en ti sin cesar", "Amor desesperado", "La flor del pago", entre otros y la polca "La cantinera". Falleció en París, en pleno conflicto bélico. «Fue, sin duda alguna», nos dice Zucchi, «uno de los más grandes propulsores del tango en Europa... a quien se debe, en buena medida, el auge que nuestro tango alcanzara en el viejo continente

UN TANGO BIEN HELADO

El 22 de agosto de 1918 la nieve se plantó en Buenos Aires. Ese día habían acudido al hipódromo de La Plata el pianista Agustín Bardi, "El Chino", y sus amigos Francisco Castello y Pedro Fiorito. Luego de la carrera, el trío se demoró cenando en una parrilla y emprendió el viaje de regreso en el mismo Ford a bigote en que habían ido, propiedad del último de los nombrados.//1273// Quiso la suerte, o la mala suerte para hablar con mayor propiedad, que el vehículo se les descompusiera a la altura del Parque Pereyra Iraola. Hallar por aquellos parajes un taller mecánico era cosa imposible. Como si fuera poco, en ese mismo momento o quizás un poco antes, ¡la inesperada nevada! Ver caer la nieve sobre Buenos Aires es algo así como haber sido testigo del descubrimiento de América por Cristóbal Colón. De modo que aquellos viajeros deberían estar entre deslumbrados por el inusitado espectáculo y, a la vez, molestos por el frío y el automóvil que no mostraba la mínima voluntad por volver a arrancar. Bardi pudo haber experimentado cualquiera de las dos sensaciones o acaso ninguna, ya que estaba completamente abstraído, tarareando las notas de un tango que se le acababa de ocurrir. La inspiración suele llegar cuando se le antoja y, a veces, no en el momento más propicio para crear una obra de arte. Pero así son las cosas. La segunda parte de la historia ocurrió ya superado -no sabemos cómo, pero de alguna manera-, el inconveniente. Bardi se encuentra, poco tiempo después, con su amigo y colega Eduardo Arolas, en el café T.V.O. del barrio de Barracas. Allí le narró al "Tigre del Bandoneón" lo ocurrido durante la nevada camino a la Capital, sin excluir el detalle del nuevo tango que se le había ocurrido y que aún no le había encontrado título. Ni lerdo ni perezoso, Arolas lo halló y resultó sumamente apropiado: «Ponele "¡Qué noche!", Chino.»

EL CANTOR SIN NOMBRE

Armando Laborde Nombre real José Atilio Dattoli Nacimiento 27 de abril de 1922 Origen Palermo, Buenos Aires Muerte 12 de diciembre de 1996 (74 años) Todo esto transcurría pocos días antes del viaje que D'Arienzo tenía proyectado al Uruguay para la temporada en el lujoso Hotel Carrasco de Montevideo. Respecto a esta gira Laborde, comentó: «Allí empezaron las notas periodísticas, todos querían saber quién era el nuevo cantor de D'Arienzo. Entre tantas preguntas, una metida de pata, fue cuando me preguntaron qué orquesta me gustaba y yo respondí "la de Aníbal Troilo". A la noche D'Arienzo casi me mata y me gritó "a usted la única orquesta que le gusta es D'Arienzo".» Otra anécdota interesante fue la de su nombre artístico: «Fui por varios días "el cantor sin nombre". A veces me ponía uno y al día siguiente lo cambiaba. Pero a raíz de mis grabaciones en Buenos Aires, el sello discográfico exigía un nombre definitivo para la etiqueta del disco, entonces ocurrió lo increíble. Una noche que regresábamos en el ómnibus, desde el Hotel Carrasco al centro de Montevideo, a D'Arienzo se le ocurre preguntarle al conductor cómo se llamaba: "¿Yo señor D'Arienzo?" "¡Sí, usted!". Con ese vozarrón tan ronco, tan suyo. "Yo me llamo Armando Laborde." "Ya está, ese es tu nombre." «Y así nació mi nombre artístico.» Volviendo a su discografía junto a D'Arienzo con quien grabó 145 temas quiero destacar "Con alma de tango", de D'Arienzo y Carlos Waiss, "Desde aquella noche", de Fulvio Salamanca y Carlos Bahr, y "Una y mil noches", de Alberto San Miguel, Oreste Cufaro y Carlos Bahr. Todos de la primera etapa con el maestro. Luego continúa con Héctor Varela con quien graba 24 temas, de los cuales sobresale "Noches de cabaret", de Alberto San Miguel y Antonio Fiasche. En 1952, vuelve a la orquesta de D'Arienzo con un éxito entre otros: "El vino triste", de D'Arienzo y Manuel Romero. En 1957, forma un rubro con el cantor Alberto Echagüe secundados por la orquesta dirigida por Alberto Di Paulo, grabando cuatro temas, y en 1959 regresa con Héctor Varela. En 1964, retorna por segunda vez a la orquesta de D'Arienzo, en la que permanece hasta 1974, grabando uno de sus máximos éxitos, "Yuyo brujo", de Héctor Vrela, Benjamín García y Carlos Waiss. Sin duda, Armando Laborde fue un cantor admirado por los degustadores del mejor tango, su éxito se emparentó con el de D'Arienzo, pero paradójicamente, sus dotes artísticas no fueron aprovechadas en la medida de sus merecimientos.

EL CHATO FLORES

Cantor y compositor, Roberto Flores fue un descubrimiento de Enrique Rodríguez, quien puso todo su armado musical para darle marco apropiado a los versos de Cadícamo. Incluso un fondo de coro contrarrestaba las veleidades de quien se jactaba de sobrarle mujeres. Así dice la segunda estrofa: Me gustan todas. / (coro) Le gustan todas./ Que voy a hacerle si soy picaflor.../ Rubias... Morenas.../ (coro) Tiene centenas.../ Tengo un surtido de todo color.../ Tengo mil novias. / (coro) Tiene mil novias./ De los amores yo soy el campeón./ Muchas novias hermosas yo tengo./ (coro) Él las tiene en la imaginación... El Chato Flores debutó en el espectáculo en 1923 como actor, en el Teatro Smart, cuya primera actriz era Antonia Volpe, quien personificara a Doña Asociación en el legendario programa de Radio Belgrano: Gran Pensión el Campeonato, los domingos al mediodía. Su enorme audiencia palpitaba la jornada de fútbol de la AFA que iba íntegramente a la tarde. ¡Tiempos lindos aquellos! Entre actuaciones y canto, Flores fue creciendo, hasta que en 1937 lo convocó el bandoneonista y director Enrique Rodríguez. Debutó en los carnavales de River Plate. La orquesta, además de tango, incluía en su repertorio otros ritmos muy en boga, que El Chato interpretaba con contagiosa solvencia. Debutaron en el disco para el sello Odeón con: Anita Lizana (fox) e Ilusión (vals), de importante acogida local y récord de ventas en Chile. Luego registraron: La calesita se destrozó (fox), Ritmo de juventud, Clavelito en flor y los tangos Son cosas del bandoneón y Mi muñequita. Estos cuatro últimos temas pertenecen al maestro, con letristas de lujo como Ivo Pelay, Cadícamo y Alfredo Bigeschi. EL GRAN GOLPE. El año 1939 fue consagratorio, porque además de Tengo mil novias (también grabado por Canaro y Lomuto), El Chato impuso el vals Salud, dinero y amor…. otra producción de Enrique Rodríguez de similar estilo (letra y música de Sciammarella), que pegó fuerte en el gusto popular. Flores dejó registrados en el disco 35 temas, sobre 36 que grabó Rodríguez en ese período. Esto demuestra la trascendencia del cantor, a tal punto que despertó el interés de la RCA Víctor. En 1940 ingresó como estrella en ese sello. OTRO RUMBO. El Chato Flores debutó en su nueva condición de solista en Radio Belgrano. Para Víctor grabó cuatro títulos, destacándose el fox Sonia y el tango Nunca es tarde (de C. Flores y E. Pereyra). Luego partió a una extensa gira por el interior del país, más Uruguay y Chile. Al regresar compartió la cartelera en Radio Argentina con importantes cantores: Oscar Alonso, Héctor Palacios y dos consagradas voces femeninas: Azucena Maizani y Dorita Davis. Entre los numerosos tangos que cantó (y grabó) Flores figuran: Quiero verte una vez más (J. M. Contursi), Un copetín (Maglio Pacho), Mi verdad (A. Mármol y E. Rodríguez), Déjame ser así (Rodríguez y Gorrindo), Vendrás alguna vez (Malerba y Amadori). En 1942 participó en la película La gran pensión de la alegría y, al año siguiente, grabó su último disco en la Víctor con dos tangos de su autoría: Porque te supe querer y Tristeza marina. Hasta fines de la década del ‘40 mantuvo su popularidad, con actuaciones en emisoras y en cafés de onda como Marzotto y El Nacional. En los años ’50 realizó una gira por el país. Recorrió las provincias cuyanas junto a su amigo y gran cantor, Francisco Fiorentino. La última actuación la realizaron el 10 de septiembre de 1955 en el pueblito mendocino, Tres Árboles. En el regreso hacia la ciudad de Mendoza, equivocaron de ruta y terminó en tragedia. En un camino de tierra y en medio de la noche, el vehículo volcó en una acequia; Fiore fue despedido y cayó desvanecido con la cara hacia abajo, en un charco de agua y pereció ahogado. Esta desgracia afectó mucho al Chato. ÚLTIMA ETAPA. Recuperado de ese golpe anímico y motivado por otro entrañable amigo, el cantor Antonio Maida, actuó en Radio Belgrano en el programa Los Ases. En 1958 hizo un ciclo acompañado por la orquesta estable de LR3, dirigida por Leopoldo Federico. Sus últimas actuaciones fueron en Radio del Pueblo, con el sexteto dirigido por el pianista Miguel Nijensohn, quien también lo secundó en la grabación de un LP para el sello Magenta. Ya con 60 años, El Chato decidió colgar los botines y se fue a Colombia, radicándose en Medellín. Allí se casó y alternaba en locales nocturnos. Así transcurrió la extensa trayectoria de este muy popular cantor argentino. De nombre verdadero Domingo Patti, el Chato Flores nació en el porteño barrio de San Cristóbal el 29 de julio de 1907 y falleció en Colombia el 9 de noviembre de 1981. Tenía 74 años.

EL PULPO DEL PIANO

Orlando Goñi Debuta como profesional a los 13 años en la orquesta de Alfredo Calabró y de inmediato, junto a su amigo de la infancia Alfredo Gobbi, forma un sexteto para actuar en algunos locales. Actuó luego con Miguel Caló, con Manuel Buzón y con Anselmo Aieta en el café Nacional. En la orquesta de Buzón conoce a Aníbal Troilo, con quien se reencuentra, en 1936, en la orquesta de Juan Carlos Cobián. En 1937 Troilo decide formar su agrupación y convoca a su amigo Goñi para ser el pianista de la orquesta. En Troilo encuentra un alma gemela musicalmente, porque rondó por muchas orquestas, pero aquí permanece hasta septiembre de 1943. Tiempo suficiente para lograr el reconocimiento que durará décadas. Forma luego su propia orquesta completada por los bandoneones de Antonio Ríos, Roberto Di Filippo, Eduardo Rovira y Luis Bonnat; en violines: Rolando Curcel, José Amatriain, Antonio Blanco y Emilio González; Domingo Donaruma, en contrabajo. Pasaron como vocalistas: Francisco Fiorentino, Antonio Rodríguez Lesende, Osvaldo Cabrera y Raúl Aldao. Con esta formación actuó en radio Belgrano y en algunos locales nocturnos. Aunque no grabó comercialmente, se pudieron rescatar dos discos de acetato con cuatro temas registrados: "Y siempre igual" (canta Raúl Aldao), "Mi regalo" (canta Osvaldo Cabrera) y los instrumentales "Chiqué" y "El taura". Su bohemia lo llevó a "quemar" su vida prematuramente. Sintiéndose irremediablemente enfermo marchó a casa de un amigo músico en el Uruguay donde falleció.

"PICHUCO" Y "EL GATO"

Una noche desertó por algún problema el bandoneonista Toto Rodríguez, y Astor, que estaba ya entre el público, se ofreció a reemplazarlo, asegurando que se conocía de memoria todo el repertorio de la orquesta. Tras la prueba inicial, el pibe se quedó en la orquesta de Troilo durante cinco años. Además de tocar el fueye, Piazzolla –bautizado “Gato” por Pichuco a raíz de su temperamento inquieto- llegó a ser arreglador de la formación troileana, aunque esto siempre generaba algunas trabas del director: “Estos arreglos pibe, hay que suavizarlos. Los firuletes no van. La gilada quiere bailar. Si nos quedamos sin la milonga vamos muertos”. En 1944, Piazzolla se fue de la orquesta del Gordo en busca de nuevos horizontes y del camino que había resuelto andar. Esta distancia no creó resquemores ni resentimientos. El respeto y el cariño mutuo se prolongaron en el tiempo. Pichuco grabaría unos cuantos temas del amigo (“Prepárense”, “Verano Porteño”, “Triunfal” y “Lo que vendrá”, entre otros) y “El Gato” haría lo propio con “Quejas de bandoneón” y otros títulos del gordo. Volvieron a tocar juntos alguna vez. Y en el disco uno puede regodearse escuchando aquel encuentro a dúo de finales de los sesenta, en el que dejaron registrados “Volver” (Gardel-Le Pera) y “El motivo” (Cobián-Contursi) Tras la muerte de Pichuco, en 1975, Piazzolla compuso su inolvidable «Suite Troileana» que se grabó ese mismo año. Tenía cuatro movimientos: ‘Bandoneón’, ‘Zita’ (su mujer), ‘Whisky’ y ‘Escolazo’, las pasiones de Pichuco. (tal vez le faltó River Plate). Después haría con Horacio Ferrer “El gordo triste”. Zita Troilo hizo realidad el mandamiento de su esposo regalándole a Astor uno de los queridos fueyes del autor de “Sur”.

MARIA "LA VASCA"

En la calle Europa, hoy Carlos Calvo, 2721, la casa de baile conocida como de María "La Vasca", fue como un faro tanguero que alumbraba las noches diqueras del viejo San Cristóbal. Aún perdura su fama, hecha leyenda en la eufonía de ese nombre que evoca un Buenos Aires lejano, un Buenos Aires que aunque parezca de museo, nos ha legado componentes emocionales incorporados a la idiosincrasia del porteño. En esa casita, que aún se conserva con sus altas ventanas a la calle y tiene el encanto de una cancela de hierro forjado entre el zaguán y el soledado patio con jardín de macetas, se escribió noche a noche un capítulo imprescindible de la vida del tango. Por ella pasaron Manuel Campoamor (1), Ernesto Poncio y Vicente Greco. Y allí, una noche de 1897, el moreno Rosendo Mendizábal -en los treinta años de su vida- muy solicitado "por su manera inimitable de tocar milongas en el piano, manejando una mano izquierda generosa de bordoneos" (2), creó esa página clásica y feliz, llamada "El Entrerriano". Según el testimonio de un habitué -recogido por los hermanos Bates en su obra tantas veces citada- en lo de María "La Vasca" podía bailarse -¡el tango, por supuesto!- "todas y toda la noche, a tres pesos la hora por persona". Concurrían "estudiantes, cuidadores y jockeys y, en general, gente de bien". El testigo de aquellas farras a que aludimos agregó este recuerdo interesante: "El pianista oficial era Rosendo y allí fue donde por primera vez se tocó 'El Entrerriano'. Era una noche en que varios socios del Z Club (3) habían tomado la sala por varias horas de baile; recuerdo que siendo más o menos las 2 a.m. golpearon la puerta, atendió María "La Vasca" y regresó diciendo que eran los jockeys Pablo Aguilera, el famoso corredor de Pillito, Rafael Bastiani y otros más cuyos nombres no recuerdo, y nos pedían que le permitiésemos participar del baile. Gustosos aceptamos y así se bailó hasta las 6 a.m. Al retirarnos lo saludé a Rosendo, de quien era amigo, y lo felicité por su tango inédito y sin nombre y me dijo: 'Se lo voy a dedicar a usted, póngale nombre'. Le agradecí pero no acepté, y debo decir la verdad, no lo acepté porque eso me iba a costar, por lo menos, cien pesos al tener que retribuir la atención. Pero le sugerí la idea de que se lo dedicase a Segovia, un muchacho que paseaba con nosotros, amigo también de Rosendo y admirador; así fue: Segovia aceptó el ofrecimiento de Rosendo y se le puso 'El Entrerriano' porque Segovia era oriundo de Entre Ríos". Las líneas anteriores reiteran la tradición milonguera de la parroquia. Hablar hoy de María "La Vasca" es remitirse a uno de los altares bautismales del tango, erigido en lo que por entonces era el suburbio sureño de Buenos Aires. Y así como fue cambiando la ciudad, muchos lugares antes famosos se fueron olvidando. Quienes pasan hoy frente a Carlos Calvo 2721, desaprensivamente como ante cualquier casita de barrio pobre, ignoran que hace mucho tiempo tenía allí su imperio indiscutido María Rangolla, mujer de belleza excepcional, nacida en la vasconia francesa. Merced al gentilísimo testimonio de la señorita Agustina Laperne y de su hermana Margarita, podemos dar hoy, por primera vez, el nombre completo de aquella que fue como una emperatriz del tango en San Cristóbal. Las hermanas Laperne son descendientes directas de María Rangolla, pues su señora madre, Francisca Cassio de Laperne, era sobrina carnal de la célebre propietaria de aquella inolvidable casa de baile de Carlos Calvo casi esquina Jujuy, donde las bailarinas más diqueras, sumaban su embrujo al de los tangos de los grandes músicos de entonces. Gracias a aquéllas todos los gustadores del tango y de su historia conocemos ahora el nombre y el rostro de aquella hermosa mujer, que así como fue de magnífica en su porte, también se distinguió por su carácter bondadoso y por su generosidad. María Rangolla,"La Vasca", nada material dejó a su muerte porque ese fue su modo de vivir. No pretendemos glorificar personajes. Sólo agregar que ella llevó tras suyo la estela de un nombre identificado con una época de Buenos Aires y del tango. Sus cenizas se conservan en la Chacarita, junto a los restos de los padres de Agustina y Margarita Laperne, pero su fama se mantiene como una leyenda en el corazón de los tangueros de ley. ______

UN TENOR BIEN TANGUERO

Raffaele Attilio Amadeo Schipa, mas conocido como Tito Schipa, fué un tenor italiano, nacido en Lecce (Italia) el 2 de Enero de 1889, poseia un talento precoz para el canto, fue apodado con el nombre de "Titus" por su delgadez fisica y estatura pequeña. Este cantante lírico paseo su voz por diferentes lugares de la Republica Argentina como ser el "Teatro Colón", "Teatro Politeama", "Teatro Coliseo", ademas de las emisoras radiales LR3 Radio Gral Belgrano, LR1 Radio El Mundo y LR5 Radio Excelsior, etc. El primer vieje que realiza a la Argentina, en 1913, canta las Operas "La Sonámbula", "Mignon" y "La Traviata" en el Teatro Colón, además se dedicó a componer tangos, este es el caso de "El Coquetón", "El Gaucho" (Registrado en New York en 1928), "Ojos Lindos y Mentirosos" (1921), "El Pampero" (1937) y "Surriento" (1953). En 1930, 1931 y 1934 Schipa deja registrado en los surcos de los negros redondos 6 tangos más: "Confesión", "Donde Estás Corazón", "Tinieblas", "La Cumparsita", "Vida Mía" y "Dimelo Al Oido", estas grabaciones las realizó con el acompañamiento de las Típicas de Osvaldo Fresedo, Típica Victor y Francisco "Pancho" Lomuto y registradas para el Sello del perrito"RCA Victor". El 13 de Marzo de 1954 actúa en el primer Festival Internacional de Cinematografía que se realizó al aire libre en la Rambla de la ciudad de Mar del Plata, Schipa fué un amante de nuestro país y especialmente de nuestra música: "El Tango" (además de cantarlos, los compuso como citamos más arriba). Tito Schipa falléce el 16 de Diciembre de 1965 a la edad de 78 años, en la ciudad de New York (USA), a consecuencia de diabetes. Dejó su amor por la música lírica y por nuestra música criolla.

EL PIBE DE LA PATERNAL

Osvaldo Nicolás Fresedo nació el 5 de mayo de 1897 en Lavalle 1606; después de varias mudanzas, hacia 1910 la familia se estableció en La Paternal, más precisamente en El Cano y avenida del Campo. Cuentan que entonces frecuentaban el barrio los organitos que molían tangos, y los vendedores ambulantes voceaban los discos de Pacho. Cuando el joven Osvaldo terminó los estudios primarios comenzó a asistir a la academia comercial Pagano, donde lo había inscripto el padre; pero a las prácticas contables prefería la música, inclinación que le había inculcado la madre, profesora de piano, y que él ejercitaba en una concertina. No pasó mucho tiempo para que, cuando salía para la academia, fuera en realidad a aprender tangos que le pasaba Carlos Besio, cochero de mateo que tocaba el bandoneón de oído; luego se dedicó a estudiar teoría y solfeo con el violinista Pedro Desrets. Pero el padre se enteró, lo echó de la casa y el joven aspirante a músico debió refugiarse en la de un amigo. Se ha dicho que el deslumbramiento que a los quince años le produjeron las ejecuciones del gran bandoneonista Augusto Pedro Berto resultó decisivo; lo cierto es que dos años después, en 1914, Osvaldo Fresedo debutó profesionalmente en el café Paulín, de la avenida San Martín, entre San Blas y Bella Vista (hoy Donato Álvarez), integrando un trío con su hermano Emilio en violín y Martín Barreto en guitarra. En el ínterin se había producido la reconciliación con el padre, que incluyó el regalo de un bandoneón. Después pasó al café Maldonado, y luego al Tontolín y al Venturita, donde había escuchado a su admirado Berto. El pibe, como le decían, empezaba a ser conocido y admirado; para diferenciarlo de otro joven y destacado bandoneonista, Pedro Maffia, a quien llamaban “el pibe de Flores”, apodaron a Osvaldo Fresedo “el pibe de La Paternal”. La orquesta Integró después distintos conjuntos, hasta que en 1919 formó su propia orquesta con José María Rizzuti en piano, Julio De Caro (nada menos) y Juan Koller en violines y Hugo Baralis en contrabajo; debutó en el Casino Pigall. Desde entonces, escribió Sierra, “se advirtió ya la calidad musical y el equilibrio sonoro que iba a prevalecer como sello inconfundible y preponderante de toda su trayectoria profesional”. Por su parte, D’Angelo manifiesta que “a través del tiempo, tanto por medio de sus realizaciones instrumentales como de las cantadas por sus distinguidos vocalistas, Osvaldo Fresedo, al frente de su personalísima formación, se ha actualizado permanentemente en una vanguardia absoluta e indiscutiblemente propia”. Y precisa: “Al comenzar la década del 40 (para el tango 1937-1955) Fresedo ya había logrado para su formación un excelente y adelantado ensamble musical, sustentado en un ritmo absolutamente bailable, una cuidadosa amalgama de sonoridad –lograda por medio de la brillante intercalación de las distintas características y posibilidades tímbricas de sus instrumentos– a la que adicionaba un exquisito intercambio de matices y su proverbial buen gusto musical; es decir, dirigía una orquesta que estaba adelantada diez años a su tiempo. Es suficiente, como ejemplo, escuchar la última grabación del año 1937, realizada el 17 de setiembre y correspondiente al tango de Cobián y Cadícamo Nieblas del Riachuelo, cantado por Roberto Ray”. Contribuyó al inconfundible sonido de la orquesta la afortunada utilización de instrumentos no tradicionales en el tango, como la batería, el vibráfono y el arpa; asimismo, Fresedo fue uno de los primeros en incorporar a su orquesta la cuerda completa. Los cantores En 1925, el pibe de La Paternal se dio el gusto de acompañar con la orquesta a Gardel en la grabación de los tangos Perdón, viejita, del propio Fresedo con letra de Juan A. Saldías, y Fea, con música y letra de Horacio Pettorossi y Alfredo Navarrine, respectivamente. También tuvo a Magaldi como estribillista en una de sus versiones de Vida mía (música de Osvaldo y letra de Emilio Fresedo). En cuanto a los vocalistas, el cantor Reynaldo Martín explica que “Fresedo buscaba voces que se adaptaran al estilo sobrio y elegante de la orquesta, que tenía un repertorio compuesto por muchos temas románticos. No privilegiaba el caudal, sino la afinación y el respeto a la melodía; anteponía el canto a la historia que contaba el cantor, y no permitía en la interpretación nada estentóreo ni sobreactuado”. Entre los cantores más representativos de este estilo podemos mencionar a Roberto Ray, Oscar Serpa y Héctor Pacheco; también tuvo una muy notable participación Blanca Mooney. Martín destaca asimismo a dos intérpretes de paso fugaz, Armando Garrido y Osvaldo Cordó. El compositor Otra faceta muy importante de la personalidad musical de Fresedo es la que corresponde a su labor como compositor, a la que se debe una vasta obra, de factura impecable y noble inspiración. Para Roberto Selles, esa obra “muestra diversas tendencias”, y enumera: “Por una parte, tenemos su etapa inicial con claro sabor a Guardia Vieja, de la que son ejemplos El espiante (La ronda), que le estrenó el cuarteto de Augusto Pedro Berto, o ¡Chupate el dedo!, con el que hizo lo propio Carlos Posadas, ambos de 1913 o 14. Aparece, luego, una línea canyengue, aunque ya no guardiaviejística, en páginas como Aromas (1923), El once (1924) o Arrabalero (1927). Otra tendencia –más acorde con el estilo interpretativo de su orquesta definitiva– es la melódica, que se advierte, por ejemplo, en Sollozos (1922) y Vida mía (1934); de éste opinamos que resulta exageradamente melódico y merece más ritmo de bolero o balada que de tango”. Por nuestra parte, señalamos también Pimienta, que podría ubicarse en la línea canyengue, y Pampero, Rosarina linda y Tango mío, en la melódica. La mejor orquesta La última actuación de Osvaldo Fresedo al frente de su orquesta tuvo lugar en la audición Tango a tango, de Radio Belgrano, en 1984. El 18 de noviembre murió, después de haber consagrado setenta años de su vida a hacer la de los porteños un poco menos gris y un poco menos dura.

LA MOROCHA DE BUENOS AIRES

Laura Ana Merello (Buenos Aires, 11 de octubre de 1904 – Buenos Aires, 24 de diciembre de 2002), mejor conocida en el mundo artístico por su seudónimo Tita Merello, fue una actriz y cantante argentina de tango y milonga. Nacida en un sitio precario, sus inicios profesionales sucedieron en el teatro. Su primer papel en cine fue en ¡Tango! —el primer filme sonoro argentino—, junto a Libertad Lamarque. Luego de realizar una serie de películas a lo largo de la década de 1930, se consagró como actriz dramática en La fuga (1937), dirigida por Luis Saslavsky. A mediados de los años 1940, se radicó en México, donde filmó Cinco rostros de mujer, por la cual obtuvo el premio Ariel, el más relevante a nivel local; al regresar, protagonizó Don Juan Tenorio y Filomena Marturano, que posteriormente fue llevada al teatro. Su período de mayor popularidad sucedió en la década siguiente, cuando encabezó filmes como Los isleros, considerada su mejor interpretación, Guacho y Mercado de Abasto. Otros de sus trabajos más recordados son los de Arrabalera, Para vestir santos y El amor nunca muere.5 Fue una de las cantantes surgidas en la década de 1920 que, junto con Azucena Maizani, Libertad Lamarque, Ada Falcón, Mercedes Simone y Rosita Quiroga, crearon la modalidad vocal femenina en el tango.6 Principalmente, fue recordada por los temas musicales «Se dice de mí» y «La milonga y yo».7 Si bien nunca se casó ni tuvo hijos, mantuvo una apasionada relación sentimental con el actor Luis Sandrini, de quien se separó en 1948. A partir de los años de 1960, la mayoría de sus trabajos estarían dirigidos por Enrique Carreras. Fue una asidua partícipe del ciclo Sábados Circulares; mientras tanto, continuó haciendo cine, con películas como Amorina. Su papel en 1974 como la Madre María, dirigida por Lucas Demare, fue muy elogiado al igual que su colaboración con Alejandro Doria en Los miedos (1980). Se retiró del cine en 1985, pero continuó actuando en teatro, TV y radio; incluso, fue distinguida como «Ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires» en 1990.8 9 Sin embargo, sus cuadros depresivos, agravados por su avanzada edad, la alejaron casi totalmente del espectáculo aunque continuaba, mediante vía telefónica, con sus charlas radiales y televisivas. Falleció a los 98 años en la Nochebuena de 2002, en la Fundación Favaloro.10 Al momento de su muerte, contaba con más de treinta películas filmadas, veinte obras teatrales estrenadas, nueve actuaciones televisivas, tres ciclos radiales y varias participaciones en espectáculos de revista.

EL MAESTRO CALDARA

Jorge Caldara Bandoneonista, director y compositor (17 de septiembre de 1924 - 24 de agosto de 1967) Fue sin duda un ejecutante sensitivo y un compositor de nota saliente. Refiriéndose a él Julián Centeya nos dejó el siguiente concepto: «Su bandoneón dominado en el paréntesis de sus manos, deja de ser una "cosa" para adquirir toda la propiedad comunicadora de carne y espíritu». Nació en la esquina de Anchorena y Córdoba, en la porteñísma zona del Abasto. Cuando el pibe cumplió 4 años, sus padres -Mario y María- se mudaron al barrio de La Paternal, instalándose en una casa ubicada en la calle Paramaribo 2219 (hoy Fragata Presidente Sarmiento), junto a sus hermanos Alberto y Nélida. Desde muy pequeño se sintió atraído por la música, siendo el piano su instrumento preferido. Pero su padre -tanguero rabioso- lo convenció que se dedicara al bandoneón y lo llevó a un profesor del barrio. La crisis de los años '30 lo obligó a abandonar sus estudios musicales para contribuir al mantenimiento del hogar. Para ello se empleó en una fábrica de cartón y luego en una de balancines. Con las nociones musicales que había adquirido se largó a trabajar como profesional, con sólo 14 años, en la orquesta del "Cieguito Tarantini", que se presentaba en las tardes en el Café El Nacional, de la calle Corrientes. Esas actuaciones no fueron del todo felices porque Jorge no tenía la experiencia necesaria en el manejo del instrumento. Enseguida se dio cuenta de sus limitaciones y buscó el perfeccionamiento con dos grandes músicos: Minotto Di Cicco y Carlos Marcucci. Más tarde, también recurrió a Félix Lípesker. Ya con varias horas de estudios encima, Jorge se abocó a la tarea de formar una orquesta típica barrial. No tenía siquiera 15 años pero tenía muchas ambiciones de triunfar. Aquella agrupación que se llamó "Orquesta Juvenil Buenos Aires", estaba integrada por compañeros de estudios y tenía como cantor a Juan Dionisio Tobares, que más tarde triunfaría con el nombre artístico de Rodolfo Galé. Con esta formación llegó al centro para presentarse los martes, como cambio de la orquesta de Aníbal Troilo, en el famoso Café Germinal de Corrientes al 900. En busca de nuevos horizontes los músicos de la orquesta se fueron alejando y Jorge no tuvo más remedio que tratar de ubicarse en otro conjunto. Entonces, fue contratado por Francisco Lauro para integrar su Orquesta Típica Los Mendocinos, así bautizada porque actuaba en el restaurante "Un rincón de Mendoza". Por ese conjunto pasaron, además de Caldara, intérpretes que luego fueron importantes directores, como Bernardo Blas, Juan Sánchez Gorio, Astor Piazzolla y Alfredo De Angelis. En 1939, pasó a integrar la fila de bandoneones de la orquesta que dirigía el violinista Alberto Pugliese, hermano mayor de Osvaldo. Ese año Alberto se presentaba en los grandes bailes que se realizaban durante el verano en el predio de la Sociedad Rural de Palermo y también por Radio Del Pueblo. Por esa orquesta pasaron las voces de Roberto Beltrán "Leoncito" y Héctor Pacheco. Durante mucho tiempo fue la atracción del cabaret "Cote D'Azur", ubicado en la calle 25 de Mayo entre Corrientes y Lavalle. En 1944, al llegar a los 20 años, Caldara tuvo que dejar la orquesta para cumplir con el servicio militar en el Regimiento de Patricios de Palermo. Pasado un tiempo, consiguió autorización para seguir trabajando. Fue así que pasó a formar parte de la orquesta del bandoneonista Emilio Orlando, que se presentaba por Radio El Mundo, con el cantor José Berón. Las actuaciones de Jorge junto a Orlando fueron perfeccionando su técnica y lo convirtieron en un "fueye cadenero", a pesar de ser el segundo bandoneón de la orquesta. El gran salto lo dio al poco tiempo, cuando ingresó a la orquesta de Osvaldo Pugliese, a raíz de un cambio general en su fila de bandoneones. Se habían ido Alessio, Quiroga y Roscini y entraron en sus lugares: Caldara, Gilardi y Castagnaro. El propio Pugliese confiesa que luego de probar distintos instrumentistas lo eligió a Jorge, porque era justo lo que necesitaba, un elemento de vigorosa personalidad y capaz de arrastrar, dentro del estilo de la agrupación, al resto de los fueyes. Actúo con el maestro durante más de 10 años y en ese periodo tocó en Radio El Mundo, grabó varias obras de éxito, animó bailes y realizó giras. La hinchada del conjunto lo distinguió mucho y supo valorar la jerarquía que ofrecía aquella dupla fuera de serie que formaron con su colega Osvaldo Ruggiero. En esta etapa demostró también, sus grandes condiciones de compositor, que Pugliese supo aprovechar, estrenándole y grabándole sus tangos "Patético" (1948), "Pastoral" (1950), "Pasional" (1951) y "Por pecadora" (1952). Caldara sentía gran cariño y admiración por Pugliese, a quien homenajeó con su tango "Puglieseando" y su versión tan particular de "La yumba". Sin embargo, al final de 1954 se desvinculó de la orquesta, inducido por su familia que estaba angustiada por las consecuencias derivadas de la filiación política del maestro. Todavía en la orquesta de don Osvaldo, ocurrió algo imprevisto. Jorge conoce en una reunión social a la cancionista japonesa Ranko Fujisawa, de visita en Argentina. Esta, después de escucharlo interpretar el bandoneón, lo invita a Japón para que allá formara su propia orquesta. Ranko era, además, la mujer de Shampei Hayakawa, el director de la Orquesta Típica Tokio. Jorge se sintió muy halagado por esa invitación, pero prefirió quedarse y seguir actuando junto al maestro Pugliese. Pero tiempo después, Ranko regresó a nuestro país y volvió a formularle a Caldara la misma invitación. Esta vez, Jorge estaba en libertad de acción y no lo pensó mucho, partió a Japón con toda su familia. Recordemos que ya se había producido la exitosa gira de Juan Canaro que abrió las puertas al tango argentino en Japón. Y por ello, el público lo recibió con beneplácito. El bandoneonista no viajó con una orquesta, sino que la orquesta la formó allá con los elementos locales, tras una rigurosa selección. Cuando la agrupación estuvo perfectamente afiatada, Jorge comenzó sus presentaciones. El debut se produjo por Radio Tokio, pasando luego a las emisoras Nipon, Binca y N.H.K. En televisión actuó por el canal J.O.R.K. y en el teatro lo hizo en el Kokusai, en el Nibiahai, donde realizó conciertos de tango a sala llena. Lo mismo que Juan Canaro, Caldara fue contratado por Odeón para registrar algunas grabaciones con su orquesta de músicos japoneses. Llevó al disco dos tangos orquestales: "Lorenzo", de Agustín Bardi y "Jueves", de Udelino Toranzo y Rafael Rossi. De regreso en Buenos Aires, después de un laborioso año en Japón, formó su propio conjunto con las voces de Raúl Ledesma y Carlos Montalvo. Durante 1955 y 1960, alternaron por su formación: Rodolfo Mansilla en piano; Norberto Samonta, bajo; Alberto Caracciolo, Alfredo Marcucci, Armando Rodríguez, Jacinto Nieves, Elbio Garbuglia, Carlos Niesi, Daniel Lomuto, Ricardo Varela, en bandoneones; Cesar Rilla, Juan Potenza, Norberto Bernasconi, Roberto Gallardo, Armando Cabrera, Alfio Messina, Eduardo Walzak, Fernando Suárez Paz, en violines. El debut se produjo en Radio Splendid. En esa oportunidad, abrió la audición con el tango "El irresistible". Volvió al sello Odeon y registró un par de grabaciones con las voces de Ledesma y Montalvo. Al año siguiente, fue requerido por Radio El Mundo, en cuya cartelera figuraban las mejores orquestas típicas del momento. A fines de 1957 se retiró Raúl Ledesma, lo remplazó Horacio Dugan y después a este, Miguel Martino. En 1960, sin abandonar la dirección de su orquesta integró el cuarteto "Estrellas de Buenos Aires", junto al violín de Hugo Baralis, el piano de Armando Cupo y el contrabajo de Quicho Díaz. Este pequeño conjunto realizó exitosas giras por América, destacándose en la televisión peruana y dejaron algunas grabaciones para Odeon, hoy prácticamente imposibles de conseguir. Las dificultades que tuvo el género, a partir de los años 60, obligaron a los directores a transformar sus grandes orquestas en quintetos, cuartetos o tríos. Sin embargo, Jorge Caldara se jugó y formó una orquesta en sociedad con los cantores Ricardo Ruiz y Rodolfo Lesica. Grabaron para Music-Hall un disco simple, con el tango "Mi malacara y yo", cantado a dúo por Ruiz y Lesica, y del otro lado el tango "Mis consejos", con la voz de Lesica. Al poco tiempo se alejó Ricardo Ruiz y la agrupación pasó a llamarse "Caldara-Lesica". El rubro continuó grabando para el mismo sello, dejando éxitos como "Nochero soy", "Mi bandoneón y yo" y "La yumba", todos instrumentales y "Confesión", "Ríe payaso" y "Por la vuelta" cantados por Lesica. Luego graba un larga duración con una orquesta más grande, constituida por: Rodolfo Mansilla (piano); Jorge Caldara, Miguel Incardona, Omar Nacir y Carlos Goliat (bandoneones); Félix Molino, Antonio Agri, Antonio Magnético, Fernando Suárez Paz, Carlos Arnaiz, Mario Grossi y Mario Abramovich (violines); José Federighi (violoncello); Fernando Romano (contrabajo). En 1966 Lesica se retiró y es reemplazado por Roberto Echagüe, hijo de Alberto, quien permaneció durante un año, grabando solamente dos tangos; "La novia ausente" y "Madame Ivonne". Fue reemplazado por Raúl Funes. De su obra autoral se destacan los instrumentales: "Bamba", dedicado a su hija, "Papilino", dedicado a su hijo, "Tango 05", dedicado a la Fuerza Aérea Argentina, "Mi bandoneón y yo", "Cuando habla el bandoneón", ambos en colaboración con Luis Stazo, "Sentido", en colaboración con Daniel Lomuto, "Con T de Troilo", "Patético", "Pastoral", "Puglieseando" y "Patriarca". Entre los tangos cantados: "Gorrión de barrio", su primer tango, "Muchachita de barrio" con letra de Mario Soto, "Solo, Dios, vos y yo", dedicado a su esposa, con letra de Rodolfo Aiello, "Estés en donde estés" letra de Martínez, "Pasional", su obra más popular, "Por pecadora" y "Profundamente", los tres con versos de Mario Soto, "No ves que nos queremos", con Abel Aznar y "Paternal", con Norberto Samonta. En 1963, inesperadamente, tuvo una tremenda noticia, los médicos le diagnosticaron "mal de Hodgkin" (cáncer en los ganglios linfáticos). La lucha entre la vida y la muerte duró cuatro años. Falleció en 1967, pocos días antes de cumplir 43 años.

GABO Y EL ZORZAL

García Márquez vuelve a incluir la figura de Gardel. En este caso, y haciendo referencia a su infancia, lo describe así: “Hasta donde recuerdo, mi vocación por la música se reveló en esos años por la fascinación que me causaban los acordeones con sus canciones de caminantes. Algunas las sabía de memoria, como las que cantaban a escondidas las mujeres de la cocina porque mi abuela las consideraba canciones de la guacherna. Sin embargo, mi urgencia de cantar para sentirme vivo me la infundieron los tangos de Carlos Gardel, que contagiaron a medio mundo. Me hacía vestir como él, con sombrero de fieltro y bufanda de seda, y no necesitaba demasiadas súplicas para que soltara un tango a todo pecho. Hasta la mala mañana en que la tía Mama me despertó con la noticia de que Gardel había muerto en el choque de dos aviones en Medellín. Meses antes yo había cantado Cuesta abajo en una velada de beneficencia, acompañado por las hermanas Echeverri, bogotanas puras, que eran maestras de maestros y alma de cuanta velada de beneficencia y conmemoración patriótica se celebraba en Cataca. Y canté con tanto carácter que mi madre no se atrevió a contrariarme cuando le dije que quería aprender el piano en vez del acordeón repudiado por la abuela” (pp. 116-117). Más adelante, puede leerse: “Otra conquista de aquella época fue el permiso de mi padre para ir solo a la matiné de los domingos en el teatro Colombia. Por primera vez se pasaban seriales con un episodio cada domingo, y se creaba una tensión que no permitía tener un instante de sosiego durante la semana. La invasión de Mongo fue la primera epopeya interplanetaria que sólo pude reemplazar en mi corazón muchos años después con la Odisea del espacio, de Stanley Kubrick. Sin embargo, el cine argentino, con las películas de Carlos Gardel y Libertad Lamarque, terminó por derrotar a todos” (pág. 159). Y luego: “Hasta entonces, lo único que el mundo entero sabía de Medellín era que allí había muerto Carlos Gardel, carbonizado en una catástrofe aérea. Yo sabía que era una tierra de grandes escritores y poetas” (pág. 527).